sexta-feira, 20 de outubro de 2017

Terra, fogo, água e ar – Por Leonel Ferreira.

Pachiculimba
Criação: Usina
Autoria da crítica: Leonel Ferreira. Ator, Diretor e Educador

Já acompanho o Usina desde o final da década de 1980 quando na Praça da República apresentavam o espetáculo “Farsas Medievais”.  Assisti quase todos os espetáculos produzidos pelo grupo, tanto os de salas convencionais como os de rua e porão. O Usina em mais de seus 20 anos de fazer teatral tem na pesquisa, na experimentação cênica e no discurso político uma das suas marcas mais potentes. 
Alberto Silva Neto assina as direções dos espetáculos “Tambor de Água”, “Paresquei”, “Eutanázio e o princípio do mundo e “Solos de Marajó” onde se percebe o exercício da construção de uma dramaturgia centrada no homem amazônico, em suas memórias e costumes. Em “Solos de Marajó” surge a parceria com Claudio Barros, ator oriundo dos grupos Experiência e Cuíra. Falo parceria porque somente quem já dirigiu um monólogo talvez compreenda a dimensão desta palavra, é um exercício de extrema generosidade. Assim deveria ser as relações entre as pessoas em todas as esferas, mas...
Ainda bem que existe o fazer teatral de algumas pessoas que generosamente abrem sua morada, sala, quintal para compartilhar os seus tesouros. “Pachiculimba”, último trabalho apresentado pelo Usina, repete a parceria entre Alberto Silva Neto e Claudio Barros no que chamo de exercício pleno dos sentidos e da magnitude do saber tradicional do homem ligado a terra e aos seus mistérios. Não se trata de um espetáculo, não há release a respeito do que se vai assistir, não há um teatro, praça, porão como já se viu em montagens anteriores do grupo, mas sim o quintal da agradável casa de Alberto Silva Neto, na Ilha de Mosqueiro, na praia do Paraíso. Ali a natureza impera e mesmo com todo o larelare de quem vai chegando na casa de um amigo, logo o ambiente fala mais alto, os passarinhos, como que ensaiados para aquele evento dão o tom do lugar. Ali é um lugar raro, que já foi comum, mas hoje é santuário.
O quintal com suas árvores e plantas, o céu num azul esplêndido de outubro amazônico, os pássaros (mais uma vez), o som do vento compõem o cenário daquele ambiente. Não precisa de mais nada, de nenhum efeito ou truque cenográfico. Nada é mais perfeito que a natureza e rente a terra em bancos e esteiras o público se acomoda para assistir a performance de Claudio Barros. Mas que personagem é ele? Uma entidade espiritual? Um monge? Um xamã? Não interessa! O que o importa é o sentido das suas palavras ditas de maneira gutural e pausadamente. Ele traz um carrinho de mão com tapetes coloridos feitos em tricô. Há também um terçado e um vaso com uma planta num vaso. Descalço ele pisa o chão de barro daquele quintal. Há um peso em cada frase dita por ele, mas também há beleza e suavidade... Claudio Melo, faz uma delicada participação produzindo efeitos sonoros e percussivos que dialogam com a encenação.
Num determinado momento o que se houve é apenas os sons do lugar e Claudio Barros reage aos sons de passarinhos, cães, cigarras numa dança pessoal que não irá se repetir no dia seguinte. As cigarras cantam e anunciam o fim de mais um dia e início de mais uma noite. O sol vai se pondo e o breu vai tomando conta do quintal. Então uma fogueira é acesa por Claudio Barros e fazendo uso de uma linguagem inventada ou dialeto indígena, não importa, o que se vê é um homem lamentando, chorando a perda de algo que fica na imaginação de quem assiste seu drama. Por quem chora o pobre homem? A vontade que dá e de levantar do assento e acolher num abraço seu corpo miúdo. Num instante tudo se transforma em fúria, Claudio Barros, agora um xamã (?), bate o terçado contra o carro de mão e o choque entre os metais sublinham a força daquele momento. Não há alegria na dor, não há beleza na perda. Me lembrei de Tuira Kayapó com seu terçado que lambeu a cara do presidente da Eletronorte para impedir a construção da usina de Belo Monte em 1989... Os fatos se repetem, o drama se repete e vai se perpetuando diante da indiferença... A escuridão da noite reforça a mensagem.
Entre o arvoredo e no breu da noite, diante de uma luz fraca de um lampião, o Xamã nos fala de um apocalipse e dos fim dos tempos na visão cosmogônica do velho índio. A fala é um trecho do livro A QUEDA DO CÉU, de Davi Kopenawa e Bruce Albert.

O valor de nossa floresta é muito alto e muito pesado. Todas as mercadorias dos brancos jamais serão suficientes em troca de todas as suas árvores, frutos, animais e peixes. [...] Tudo o que cresce e se desloca na floresta ou sob suas águas e também todos os xapiri e os humanos têm um valor importante demais para todas as mercadorias e o dinheiro dos brancos. Nada é forte o bastante para poder restituir o valor da floresta doente. Nenhuma mercadoria poderá comprar todos os Yanomami devorados pelas fumaças de epidemia. Nenhum dinheiro poderá devolver aos espíritos o valor de seus mortos (355)[1].

        Ao público é servido um caldo de peixe em cuias com gravuras indígenas e por fim o Xamã se recolhe. De onde estou ouço apenas o som da água caindo e se espalhando pelo quintal.

Pachiculimba
Grupo Usina
Local
Ilha de Mosqueiro – Praia do Paraíso
Com Claudio Barros e Claudio Melo
Direção
Alberto Silva Neto
Sonoridades
Claudio Melo
Visualidades
Claudio Rego de Miranda
Corporeidades
Valéria Andrade






[1] Marina Pereira Novo. Revista de Antropologia da UFSCar. Jul./dez.2016:167-170

sábado, 14 de outubro de 2017

Do exercício distanciado – Por Dani Franco

Afrânio – Um Solo em Decomposição
Montagem: GITA – Grupo de Investigação do Treinamento Psicofísico do Atuante.
Autora da Crítica: Dani Franco – Jornalista Cultural, pós-graduanda em Gestão e Políticas Públicas pela Cátedra de Políticas e Cooperação da Universidade de Girona, Espanha, via Instituto Itaú Cultural.

Atores em solo. Minha espinha dá uma leve tremida de nervoso sempre que leio isso, e assim já têm alguns anos que tenho evitado ser espectadora desses pretensos espetáculos, um erro pautado mais na impaciência do que na preguiça, mas que, sem que eu me dê conta, estou levemente corrigindo.
O nariz de cera acima é pra dizer não apenas que voltei a ser público de teatro, mas também que minha percepção a respeito dos espetáculos continua crítica. Há coisas boas sendo montadas em Belém, mas a maioria ainda é bem mediana, pra não dizer ruim. Tenho visto uma necessidade de colocar corpos na rua e ecoar gritos de gueto indiretamente proporcionais às técnicas de atuação e inteligência dos textos; quando não, apenas montagens caça-níquel querendo ser televisionáveis (o que de fato não é ruim, pois ainda ajuda a formar público); mas ver um espetáculo bem montado, com o ator sendo de fato um intérprete, continua sendo raro. Por isso, quando me deparo com exercícios teatrais bem executados minha espinha vibra com leve esperança e foi isso o que eu vi no solo “Afrânio: um solo em decomposição”, de Cesário Augusto.
Uma montagem com técnica, presença e segurança como pouco vista, um exercício que na verdade foi uma aula prática de teatro, com o professor saindo do papel de mediador para assumir aquilo que sabe: mostrar como se interpreta. Confesso que o texto em si não trazia nada que de revolucionário ou maravilhoso, mas nós nos acostumamos tanto a chamar qualquer coisa de incrível que não elogiar um papel desses pode parecer coisa de gente (apenas) ranzinza. Mas, não, Afrânio não é incrível, apenas é o que a maioria das montagens não consegue ser: uma boa montagem. Seu pulso forte colocou de volta no palco a voz como recurso técnico, com todas as suas nuances, texturas e curvaturas, trazendo um bálsamo para quem não se acostuma a ouvir atores gritando em qualquer texto, aliando trabalho de corpo e mostrando o que de fato é se colocar em cena.
Tive essa boa surpresa ontem, no primeiro dia da Semana GITA 2017, um trabalho que está se fazendo ver sem alardes e talvez por isso seja tão mais instigante do que muitos. Do pouco que vi ontem, a necessidade de se pensar o teatro e suas formas de atuação ali estão baseadas na teoria posta em prática, condensando o fazer teatral em sublimações de auto-conhecimento e expansão, o que, afinal, é pra isso (também) que a arte (r)existe.
Que mais montagens-aula como essa sejam abertas para o grande público, mas também e – principalmente – que os novos atores do teatro possam ter acesso à verves que possibilitem o auto-questionamento e retornem à arte como força transformadora.
13 de outubro de 2017.

Afrânio: um solo em decomposição
GITA
Grupo de Investigação do Treinamento Psicofísico do Atuante
Criação, Direção e Atuação:
Cesário Augusto
Consultoria de Visualidade:
Aníbal Pacha
Consultoria de Iluminação:
Sônia Lopes


quarta-feira, 11 de outubro de 2017

Pensando alto – Por Edson Fernando

Pachiculimba
Criação: Usina 
Autoria da crítica: Edson Fernando. Ator, Diretor e professor de Teatro. Coordenador do Projeto TRIBUNA DO CRETINO.

Diálogos férteis entre Teatro e Rito ocupam minha atenção há algum tempo. As reflexões que desenvolvo sobre o tema ganharam relevância, particularmente, por ocasião da escrita de minha dissertação de mestrado em 2009/2011, sob o título “Ritual em Artaud: Considerações e reconsiderações por uma poética da crueldade”. Embevecido com o pensamento estrondoso de Nanaqui tomei como objeto de investigação, naqueles anos, o processo poético denominado “Quando a música terminar...”, ocorrido em 2007, portanto, dois anos antes de iniciar a jornada do mestrado. Pretendia compreender, dentre outras coisas, o que havia ocorrido comigo durante os nove meses de vivência naquele processo; compreender se a dimensão da “crueldade”, tal como concebida por Artaud, havia sido alcançada, em que medida e sob quais condições estéticas e éticas seria possível cultivá-la em uma montagem teatral. Teatro como rito, rito como condição para renovação do teatro.   
Um marco importante que estabeleci para desenvolver meus pensamentos desde então, situa Teatro e Rito num lugar fronteiriço de mútuas trocas. Mas transitar por estas fronteiras me exigiu colocar na mochila um kit de sobrevivência acadêmica (livros, revistas, monografias, teses, dissertações, dicionários, glossários, etc.) que me permitisse compreender o rito mais por sua dimensão ética e menos por sua dimensão estética, exatamente a via concebida por Artaud. Esta foi, talvez, a primeira e uma das maiores lições que o Momo me ensinou: um teatro sem ética é o mesmo que um rito sem mito, isto é, um simulacro da realidade.
Passei, então, a inquirir o processo “Quando a música terminar...” tendo como questão norteadora saber se nele havia “teatro ritual” ou “ritualização no teatro”. Esta questão me persegue e inquieta até hoje. E todas as vezes que sou levado a refletir sobre trabalhos que julgo se encontrarem neste lugar de fronteira entre Rito e Teatro, me pego com as mesmas dúvidas e inquietações. Foi assim com “UM”[1], montagem da Companhia Moderno de Dança, dezembro de 2014; “Em busca do meu Xamã[2], instalação-performance de Leandro Haick, maio de 2015; “Da cabeça aos pés[3], montagem do Grupo Experimental de Teatro – GEMTE, dezembro de 2015; “O velório de Dona Pereira[4], instalação performática da In Bust Teatro com Bonecos e Produtores Criativos, novembro de 2016. O mesmo ocorre agora com “Pachiculimba”, cerimônia realizada no quintal de uma casa localizada na praia do Paraíso, na ilha do Mosqueiro. A proposta é resultado das pesquisas de Alberto Silva Neto e Claudio Barros, nova criação do Grupo Usina.
De todos os trabalhos citados apenas em UM, me ative a uma discussão mais conceitual sem, no entanto, pretender chegar a respostas categóricas sobre o assunto. Considero que são pensamentos expressos em voz alta, ou melhor, pensamentos escritos e publicizados que me ajudam a pensar meu próprio fazer poético. Portanto, antes de serem questões voltadas para que os artistas do Usina resolvam em “Pachiculimba”, são minhas inquietações que me perseguem novamente, inquietações que procuro resolver inclusive na atual pesquisa que desenvolvo. Vamos às inquietações.
O aconchego da casa de Alberto Silva Neto é o refugio para a cerimônia Pachiculimba. È o próprio dono da casa quem nos recepciona afetivamente na entrada. Alberto nos apresenta o lugar, faz uma brevíssima contextualização sobre o trabalho que estamos prestes a conferir e orienta para nos dirigirmos até o quintal, local onde se dará a cerimônia.
Friso por três vezes o termo “cerimônia”, pois o considero um termo/conceito caro a todos as pesquisas de fronteira Teatro/Rito. Na verdade é um termo controverso no âmbito da própria antropologia, onde encontramos autores com posicionamentos diametralmente opostos ao abordar os conceitos de “rito” e “cerimônia”. Aldo Natale Terrin, professor de Antropologia e História das religiões, tem sido meu guia para estes assuntos. Seguindo os ensinamentos preciosos que encontrei em sua obra O rito: antropologia e fenomenologia da ritualidade, inferi que ao longo do tempo “rito” e “cerimônia” foram se estabelecendo em campos distintos de ação e compreensão, ladeados por outros termos como ritual, ritualizar, ritualismo e ritualização. Terrin destaca, no entanto, que se fizermos um recuo generoso na história, veremos que “não se conhecia cerimônia que não fosse um rito, e sempre religioso”. (Cf. TERRIN, p. 20). Infiro, então, que o processo de secularização das ações gerou uma distinção problemática entre “rito” e “cerimônia”, levando-nos a crer que todo rito é uma cerimônia, mas nem toda cerimônia seria, a rigor, um rito. 
Tal querela sobre o assunto se mantém aberta entre os estudiosos da área. Não sendo meu interesse desenvolvê-la aqui, destaco apenas que evito usar indistintamente os termos “cerimônia” e “rito” como se fossem sinônimos e, ao mesmo tempo, evito distingui-los pelo caráter secular das ações, pois este modo de concebê-los gera uma visão dicotômica com prejuízo maior para o termo/conceito “cerimônia”. Me parece mais sensato pensá-los – “rito” e “cerimônia” – na perspectiva de Richard Schechner que nos permite compreender as mútuas trocas entre “ritos” (religiosos) e “cerimônias” (seculares) por um processo de derivações e dependências que não privilegiam nenhum dos pólos.
Uma rápida verificação, tomando como exemplo algumas cerimônias seculares, talvez ajude a perceber as derivações e mútuas trocas que a perspectiva de Schechner aponta: cerimônia de formatura, cerimônia de abertura e encerramento dos jogos olímpicos, cerimônia de diplomação de mandato eleitoral, cerimônia de inauguração de um prédio público, cerimônias militares, etc. Em todos estes casos a acepção da palavra “cerimônia” volta-se para ações que são realizadas num determinado tempo e lugar, com ordenamento, classificação e/ou passagem de status, características em comuns ao conceito de rito. E embora, tais cerimônias não proporcionem experiências de ordem mística e/ou mítica – traço fundamental do “rito” – elas oportunizam vivências nas quais valores e virtudes humanas são colocadas em relevo e, portanto, também trabalham numa dimensão ética.
Esta pequena digressão me parece necessária para dizer que minha inquietação não é definir se Pachiculimba é uma cerimônia ou um rito, mas compreender como este trabalho se relaciona com esta fronteira complexa onde os conceitos a todo o momento, parecem escorregar para outros domínios da atividade humana.  E isto porque, segundo Terrin, o “rito” constitui-se como uma “realidade poliédrica”, isto é, uma realidade que estabelece relação teológica, fenomenológica, histórica, religiosa, antropológica, lingüística, psicológica, etológica e biológica. Sendo tão diverso em sua natureza é necessário eleger o lugar de onde parte a abordagem. Minhas abordagens sempre partem do campo fenomenológico, isto é, do ângulo de quem participa/vivencia o acontecimento. É deste lugar que procuro refletir, também, sobre Pachiculimba.
Meu maior desconforto na vivência que Pachiculimba me proporcionou se deu no que considero ser primordial para trabalhos desta natureza: a preparação para testemunhar o acontecimento. Para me dirigir até o local da cerimônia, que ocorre no distrito de Mosqueiro, utilizei o translado de van que o grupo Usina oferece para os convidados. No trajeto que dura cerca de uma hora e meia tudo transcorre cotidianamente: somos onze pessoas no total, a maioria se conhece e desenvolve diálogos descontraídos sobre vários assuntos. O desconforto: sigo descontraidamente e sem nenhuma preparação ou orientação rumo a uma cerimônia que por sua natureza complexa, mencionada anteriormente, irá me solicitar um comportamento não rotineiro e não cotidiano. O deslocar no espaço, portanto, não é acompanhando de um deslocar de comportamento – do cotidiano para o extra-cotidiano.     
 Quando chego, então, ao local da cerimônia encontro-me completamente em estado cotidiano. A tranquilidade, a natureza e o aconchego do lugar não são suficientes para me colocar em sintonia fina com o estado absolutamente alterado que Claudio Barros oferece antes, durante e depois da cerimônia. O contraste é absurdo. O primeiro contato visual que tenho dele – ainda antes do início da cerimônia, onde ele se encontra no corredor lateral da casa – é o suficiente para perceber que seu trabalho funda-se para muito além do que convencionamos chamar de representação teatral: Claudio encontra-se em estado de meditação ativa, em perfeita harmonia com o lugar; ele sente, dialoga e se retroalimenta de tudo a sua volta. Eu, no entanto, ainda em clima de “festinha” e deslumbre com o local, preciso conter o estado de ânimo, pois ainda me sinto envolvido numa atmosfera de descontração e desbunde.    
A condução até o quintal da residência, onde propriamente irá ocorrer à cerimônia, também é feita de modo espontâneo por Alberto. No local há árvores, uma arena sutilmente saliente com terra clara e algumas cadeiras e esteiras de palha ao seu redor. É fim de tarde, por volta das 17:20. Tomo meu assento em uma das esteiras, descalço as sandálias e aguardando o início da cerimônia. A primeira aparição de Claudio Barros +no quintal confirma minha sensação de que ele se encontra conectado em outra dimensão: o universo do xamanismo ameríndio[5] se estabelece em suas ações, atitudes, gestos, narrativas, canções, objetos, instrumentos musicais e indumentárias. Considero que Claudio Barros ata-se irremediavelmente a esfera do rito, definida por Terrin do seguindo modo:             
[...] o rito, fenomenologicamente falando, é uma ação sagrada repetitiva, composta de um drómenon (ação) e de um legómenon (palavra, mito). Nele e na conjunção de palavra e ação se manifesta um agir “holístico” que não é do tipo instrumental e não pretende induzir uma causação normal entre meio e fins. Tal ação ritual procura realizar o legómenon (o mito) por meio da estruturação de um jogo simbólico místico onde vigora uma premissa indiscutível segundo a qual x vale y no contexto ct, isto é, onde alguma coisa está no lugar de outra. (Cf. Terrin, p.27-28, ênfases originais)

Gosto desta citação, pois ela consegue ser objetiva, profunda e didática ao mesmo tempo. Utilizando-a para pensar o trabalho de Pachiculimba, observo que todas as ações (drómenon) desenvolvidas por Cláudio Barros e Cláudio Melo durante a cerimônia só encontram sentido quando dimensionadas, percebidas e executadas em função do universo mítico xamânico ameríndio (legómenon).
Na perspectiva dos atuantes da cerimônia a equação proposta por Terrin me parece absolutamente exeqüível. No entanto, eu na condição de testemunha da mesma, me sinto deslocado, desconfortável e apartado da cerimônia por não ter sido preparado e não receber as chaves de acesso para abrir os canais de percepção adequados para penetrar no contexto ct. Sem estas chaves de acesso, minha vivência voltou-se para a fruição de uma montagem teatral. Passo, então, a acompanhar tudo com o olhar distanciado e contemplativo de um espectador que tem o privilégio de presenciar um trabalho tecnicamente bem executado e dirigido.       
As tentativas de me fazer parte integrante da cerimônia esbarram, no meu caso, na falta de um deslocamento de comportamento: de um comportamento de espectador para um comportamento de partícipe liminar ou liminóide, comportamento alterado que me permita fazer parte da comunidade e do universo mítico do acontecimento. Insisto em lembrar que não se trata de uma preparação inteligível para compreensão do universo dos símbolos xamânicos, mas sim da convocação dos canais sensíveis e sensitivos para alargar minha percepção do fenômeno que se dá naquele tempo e espaço não convencionais.   
E assim como começa sem esta preparação para um contexto de rito, termina, sob o céu estrelado, também sem as ações de despedida. O curioso é que o mesmo não se aplica a Claudio Barros que sai de “cena” para continuar seu estado de plena meditação dirigindo-se e mantendo-se em posição de lótus, no mesmo corredor lateral da casa, local onde havia iniciado a cerimônia. Claudio vivencia um “antes”, um “durante” e um “depois” que lhe potencializa, no meu entender, para uma dimensão holística profunda. Enquanto que eu vivencio apenas o “durante” de um acontecimento que se estrutura, na minha percepção, mais por seus elementos estéticos do que por sua dimensão ética.
Não são certezas, apenas inquietações, desconfortos e angustias que insistem em aparecer todas as vezes que observo o teatro dialogando de modo peremptório com a dimensão do rito. Não busco respostas ou justificativas da equipe envolvida em Pachiculimba, mas sim refletir sobre este lugar de fronteira que tanto me fascina. São “pensamentos altos” de um servo de Dioniso. Evoé.  
11 de Outubro de 2017.      

Referencia:
TERRIN, Aldo Natale. O rito: antropologia e fenomenologia da ritualidade. São Paulo: Paulus, 2004.


Pachiculimba
Grupo Usina
Local:
Praia do Paraíso – Ilha de Mosqueiro
Com Claudio Barros e Claudio Melo
Direção:
Alberto Silva Neto
Sonoridades:
Cláudio Melo
Visualidades:
Claudio Rêgo de Miranda
Corporeidades:
Valéria Andrade




[1] Ver crítica “Confluências de UM lugar entre” publicada da TRIBUNA DO CRETINO: Revista de Crítica em Teatro e Dança, Vol. 01, Nº 01, 2015, pg. 59-62.
[2] Ver crítica “Nu espelho” publicada da TRIBUNA DO CRETINO: Revista de Crítica em Teatro e Dança, Vol. 01, Nº 02, 2015, pg. 26-27.
[3] Ver crítica “Tenso como a batida do tambor. Suave como as brincadeiras de roda. Quem é essa GEMTE-Demônio?” publicada da TRIBUNA DO CRETINO: Revista de Crítica em Teatro e Dança, Vol. 02, Nº 03, 2016, pg. 29-32.
[4] Ver crítica “Sonhos de uma noite com Pereira”, publicada da TRIBUNA DO CRETINO: Revista de Crítica em Teatro e Dança, Vol. 02, Nº 04, 2016, pg. 86-90.
[5] Tenho duvidas se o termo mais adequado seria xamanismo “amazônida” ou “amazônico”. Optei por “ameríndio” por considerar seu lastro mais amplo, mas posso estar absolutamente equivocado.

segunda-feira, 9 de outubro de 2017

Um deslocamento para a fronteira – Por Afonso Gallindo

Performance: Pachiculimba.
Montagem: Usina 
Autoria da crítica: Afonso Gallindo, jornalista, publicitário e documentarista; Participante do Minicurso de crítica teatral “O que pode uma crítica teatral?”

Um deslocamento para a fronteira.
Esta foi a sensação nítida que percebi na mística não-encenação, e sim partilha, que esta performance me proporcionou.
Desde a chegada, é possível perceber o mergulho de Claudio Barros num universo singularmente energético, como que imerso numa vibração. Mais nem de longe é possível prever o que nos será ofertado. Para início de prosa, o espaço utilizado é no mínimo fantástico. O chão batido ao céu aberto e a interação com os elementos nativos do lugar, possibilita uma integração do ato e a natureza que poucas vezes tive a felicidade de vivenciar.
Acompanho o trajeto do Claudio Barros desde A Terra é azul, que na época já me impressionou muito, mas o que tive a oportunidade de assistir atesta seu amadurecimento e complexo trabalho corporal apresentado.
Seu corpo parece ter vida própria. Ora portando o peso da sabedoria do velho xamã, ora conectado ao espaço e as sonoridades existentes.
Injusto definir um ponto alto apenas na atuação. Mas, pretensiosamente, permito destacar o momento da relação com os sons presentes no entorno e a resposta de seu corpo. Nesse, particularmente, consegui visualizar uma tal “conexão” com a terra. Muitos falam e escrevem sobre o assunto. Já tive inclusive a satisfação de sentir isso. Mas, assistir isso no outro, fisicamente, confesso ter sido a primeira vez. 
Outro momento que muito me chamou a atenção foi quando estabelecia relação com as árvores do entorno da cena. As palavras pronunciadas, entendo oriundas de línguas também brasileiras, carregavam da emoção o lugar no lamento e no corpo dele e me remeteram a processos praticados ao retorno de guerreiros em algumas etnias brasileiras, onde um membro do grupo é escolhido para expressar toda a saudade e dor pelo longo distanciamento em busca da caça.
Com o passar do tempo, o sol se esconde no horizonte e o cenário natural muda. E também a área por nós visitada, onde fomos silenciosamente direcionados. Oculto na copa de uma pequena árvore, parte viva da cena, uma voz densa narra o momento da queda do céu. Me percebi, então estar cercado pela noite. Apenas uma fogueira ilumina a cena, onde dessa vez somente a voz do ator se faz fortemente presente. Pequenos pontos de luz, oriundos dos lampiões colocados por ele no momento anterior, remetem a estrelas de um pequeno sistema, onde a chama da fogueira parece reproduzir uma luz central. Neste momento ouve-se sobre um outro céu, de um outro tempo, e por um instante consegui visualizar esta outra possibilidade, que nascia da voz representante do xamã, forte e sábio, que nos indicava a necessária reflexão sobre o chão e o céu que vivemos.
A integração neste processo chega a um tal nível de cumplicidade, que torna-se difícil identificar onde inicia o trabalho de direção ou encontra-se somente o trabalho dos atores em cena.   
Estas poucas linhas infelizmente, bem sei, não terão o poder de transcrever a experiência vivida por mim durante a performance. Digo vivida por se tratar de um processo também sensorial e convida a visitar um lugar, o universo cultural que também é nosso e que, infelizmente, fazemos questão de ignorar.
8 de outubro de 2017

Pachiculimba
Grupo Usina
Local:
Praia do Paraíso – Ilha de Mosqueiro
Com Claudio Barros e Claudio Melo
Direção:
Alberto Silva Neto
Sonoridades:
Cláudio Melo
Visualidades:
Claudio Rêgo de Miranda
Corporeidades:

Valéria Andrade

sexta-feira, 29 de setembro de 2017

Vidas em Divã – Por Andreza Pinto



Montagem teatral: PopPorn – Sete vidas e infinitas possibilidades de corações partidos
Montagem : Teatro de Apartamento
Autora da crítica: Andreza Pinto. Atriz, estudante de Licenciatura Plena em teatro UFPA e participante do minicurso de crítica teatral “o que pode uma crítica teatral?”

Uma Drag Queen e um Gogo Boy dançavam na sala de espera de um teatro, no meio de pessoas, que pareciam surpresas e curiosas sobre o que ainda estava por vir, a espera de um espetáculo começar.
No outro lado da rua, uma festa infantil rolava e alguns convidados pareciam querer sair para ver o que acontecia e outros – menos curiosos – nem se moviam para ver aqueles dois seres, dançando em uma piscina de plástico chinfrim, cercados por espectadores. Alguns convidados, certamente, eram impedidos pela chuva ou pelo comportamento esperado diante dos anfitriões.
Já em seus devidos lugares para assistirem a vida (o drama de sete personagens que, sentados em um divã, contam suas vidas e toda espécie de frustração vivenciada diariamente a um psicólogo, vendo naquele profissional uma válvula de escape para seus problemas), a plateia assistia a cenas muito bem marcadas por músicas, pela luz e pela entrada da Tifanny Boo e pelo dançarino Mauro Santos, que também procuravam envolver o público na dança, que participavam um tanto quanto tímidos.
Todos esses fatos aconteceram diante de uma plateia, que reagia com gargalhadas a cada história contada ali. Os traumas, os medos, o desespero, a tristeza... E não há nada de engraçado nisso! Mas consolou ver, ao final do espetáculo, as pessoas comentando sobre os personagens, levando a uma reflexão sobre como ainda somos machistas, preconceituosos e como queremos viver a vida do outro sem ser convidado para isso, dando nossas opiniões e querendo resolver problemas que não são nossos ou mesmo viver de aparências.
Tome as rédeas de sua vida e das consequências de suas escolhas!
Do meu ponto de vista, as pessoas identificaram-se... Conheciam pessoas que tinham passado por um desses fatos ou simplesmente riram da desgraça do outro porque é cômodo e estavam no lugar permitido para isso. O teatro – visto por mim como um grande consultório – aproveitou-se do jogo entre os atores no palco e o seu público para mostrar suas emoções. Ele, o teatro, permite isso.
Assistindo a montagem PopPorn – Sete Vidas e Infinitas Possibilidades de corações Partidos fui levada àquela velha pergunta, “a vida imita a arte?” ou “a arte imita a vida?”.

Ficha Técnica:
POPPORN – Sete vidas e infinitas possibilidades de corações partidos
Elenco:
Eliane Flexa , Erllon Viegas, Gisele Guedes, Leonardo Moraes,
Rony Hofstatter, Sandra Perlim, Saulo Sisnando
Participação especial:
Drag Queen Tifanny  Boo e o Bailarino Mauro Santos
Iluminação:
Sônia Lopes
Sonoplastia:
Breno Monteiro
Supervisão de Figurinos
Grazi Ribeiro
Assistência de direção:
Marina Dahás
Direção:
Saulo Sisnando

quinta-feira, 28 de setembro de 2017

PopPORN! OLHAR ATOR / PLATEIA – por Rony Hofstatter



Seção “Palavra do Artista”

Montagem teatral: PopPorn – Sete vidas e infinitas possibilidades de corações partidos.

Montagem: Teatro de Apartamento.

Autor da crítica: Rony Hofstatter, ator na montagem PopPORN.



PopPORN! Como participante deste espetáculo desde a primeira montagem sempre sentia um constante incômodo com a personagem que interpreto – Alexandre Richthofen. Eu não conseguia entender que incômodo era esse. Então, resolvi pensar além do viés de ator e parti para o viés da plateia. Como esse espetáculo me modificou quanto ator? E como plateia?

Será que eu, ator, tive a mesma vivência da plateia?

Não sei dizer.

O que posso dizer é que penso em PopPORN como um espetáculo que movimenta, desperta, incomoda algo e tange sentimentos e preconceitos que nem nós mesmos – às vezes – temos consciência.

Como ator, posso dizer que – quando eu estava na coxia, “ouvindo” os colegas em cena e esperando minha deixa – me sentia apreensivo e incomodado.

E esse incômodo... Bem, eu não conseguia discernir bem do que era, nem O QUE me incomodava.

Na coxia, eu conseguia sentir a crescente do espetáculo e, ao final de cada cena, vinha aquela torcida pelo colega: a plateia vai aplaudir? E muitas das vezes aplaudiram.

Então, vinha a minha vez. Plateia afoita, energia lá em cima e, na segunda fala, risos! Daí, eu pensava “Ufa! Hoje vai rolar”. Mas o que se seguia durante a cena eram risos velados, algumas cabeças baixas e aquele olhar que me encarava de uma forma que eu não entendia.

Terminava a cena: silêncio sepulcral!

Aquilo me incomodava muito e me levava a dois questionamentos: será que não fiz direito? Será que era a minha vaidade de ator – aquela que todos nós temos, afinal eu queria que a plateia risse bastante no meu texto também – que me causava esse incômodo?

A resposta veio quando, no penúltimo dia, lancei esse questionamento a alguns colegas e a resposta foi unânime: O silêncio sepulcral era a reação certa a ser esperada da plateia.

Entendi, então, a complexidade de PopPORN. O espetáculo tem de ser incômodo tanto para quem assiste quanto para nós, os atores. Na verdade, ele exige isso, pois abordamos sentimentos que são tolerados em sociedade, mas não falados.

A homossexualidade, o machismo, a intolerância e a violência, por exemplo, são retratados de forma cotidiana... Crua. E isso incomoda! Aflige tanto o espectador, quanto o ator.

Esta era a razão dos sorrisos apenas velados, das gargalhadas nos outros personagens e também do silêncio.

Em PopPORN, rimos de nós mesmos, achando que estamos debochando do outro e quando percebemos que nós somos a própria piada... Calamos!

PopPORN serve para incomodar e, quem sabe, não nos calar nunca mais.



Ficha Técnica

POPPORN – Sete vidas e infinitas possibilidades de corações partidos

Elenco:

Eliane Flexa , Erllon Viegas, Gisele Guedes, Leonardo Moraes,

Rony Hofstatter, Sandra Perlim, Saulo Sisnando

Participação especial:

Drag Queen Tifanny  Boo e o Bailarino Mauro Santos

Iluminação:

Sônia Lopes

Sonoplastia:

Breno Monteiro

Supervisão de Figurinos:

Grazi Ribeiro

Direção:

Saulo Sisnando